Compte-rendu: « Merci Raymond », Bertrand Lavier à la Monnaie de Paris

IV LE REEL

Il y a toujours, chez Bertrand Lavier, un commentaire au moins sibyllin sur notre rapport à notre environnement, notre façon de l’appréhender et de le définir.

On constate ici que deux des premières oeuvres de l’exposition, une sculpture issues des Walt Disney Productions  et une superposition d’un « canapé-bouche » sur un congélateur, P_20160615_151136sont quasiment invisibles pour le spectateur inattentif. En effet, Lavier les a subtilement placées derrière un verre cannelé utilisé par Hains qui altère profondément notre appréhension visuelle des choses, qu’il a baptisé « verre hypnagogique », soit le verre « qui précède le sommeil ». Si de loin on reconnait assez facilement les œuvres (pour peu qu’on les connaisse), leur appréhension reste insatisfaisante et on est tenté de s’approcher. Cependant, plus on se rapproche de l’oeuvre, plus le verre déréalise l’aspect de l’item. Il y a chez Lavier quelque chose du faux fuyant. Quand celui-ci s’empare des tableaux de Stella pour les reproduire en néon, ceux-ci voient leur présence physique augmentée. Ils irradient dans l’espace et au-delà, sollicitent davantage de sens: les néons grésillent et réchauffent considérablement l’environnement, tant et si bien que même en fermant les yeux, le spectateur ressent la présence de l’œuvre. Seulement, grâce au néon, l’œuvre « vibre » et ne peut être simplement domestiquée visuellement. Chez Lavier, la réalité ne peut être capturée que « cadrée », « enchassée », on ne peut en avoir qu’un seul morceau à la fois, jamais sa globalité. C’est le sens notamment de son emploi des objets courants, qui existent simultanément en tant qu’outils et œuvres d’art. Le spectateur se rend rapidement compte de la complexité de l’opération, et de la nécessité de partir du particulier pour essayer d’arriver au général, et non l’inverse.

De façon plus « amusante », Lavier poursuit une réflexion sur la possible inversion du rapport réel-représentation. Depuis Platon, l’essentiel de la philosophie occidentale considère que la représentation procède forcément du réel. Il apparaît que de nombreuses œuvres de Lavier renverse le cours de cette logique, pour créer du réel à partir de la représentation. C’était notamment le cas avec les fameuses Walt Disney Productions. Ici, l’artiste réitère la tentative avec la fameuse toile de « Boronali », soit l’âne peintre. Depuis le canular jusqu’à l’intervention de Lavier, on constate que l’on a affaire à une chaîne d’opération complexe, offrant un réel flottant entre concret, parodie, image et idée. Le point de départ de l’oeuvre, c’est l’avant-garde picturale parisienne du début du XXe siècle, le post-impressionnisme, le fauvisme, l’expressionnisme, le cubisme, les débuts de l’abstraction. Cette peinture anti-académique, parfois gestuelle, finit par former dans P_20160615_153920l’esprit du journaliste responsable du canular une image-type de l’art d’avant-garde de l’époque: informel, sans technique, vide, suffisant. Le journaliste tire de cette image une parodie, actée par une peinture. A ce stade, avant même l’arrivée de l’âne, on a déjà donc trois « niveaux de réel »: l’avant-garde, la vision du journaliste et la parodie précise qu’il en tire. Au moment où l’âne intervient on retrouve l’aspect matériel. Pour obtenir un tableau en soit, il faudra mettre en marche la « sociologie » autour: l’exposition aux Indépendants, les critiques qui lui donnent un titre, et son éventuel achat. Et puis, bien sûr, vient la révélation du canular. Ceci nous donne, avant que Lavier ne prenne en main l’oeuvre, un schéma assez étonnant : avant-garde > image de l’avant-garde > parodie de l’avant-garde > peinture de l’âne > milieu de l’art qui à son insu le transforme en tableau > révélation du canular. Ce qui donne en proportions, deux « peintures », deux images de la peinture, et deux stades de simulation. Lavier lui-même convoque 3 niveau de réel: le résumé de ce que l’on vient de dire, l’image qu’il en tire via photo et impression, et enfin les quelques coups de pinceau qu’il ajoute, donnant corps et matière à l’ensemble. A l’arrivé, 9 (!) strates de réels, en vérité 3 types essentiels, au cours de laquelle la chronologie fluctue. Un temps, il s’agit d’un objet, un temps d’une image, un temps d’un commentaire. Seulement, au moment où Lavier commence son travail pour accoucher  d’une « vraie oeuvre », il ne tire cela que d’une représentation, une certaine image de l’art. Ici, par deux fois, un élément du réel a pris directement source dans la représentation.

 

Ce va-et-vient entre réel et représentation est récurrent chez Lavier, mais la présente exposition, par ces différents exemples, le présente avec une intensité rarement atteinte. Ce qui frappe ici, c’est cette bataille perpétuelle contre la chronologie. Quoi précède de quoi ? Hains influence Lavier ou est-ce le contraire ? Le canular de Boronali évoque celui de la Fontaine de Duchamp, qui lui est pourtant postérieur de plusieurs années. Le temps chez Lavier apparaît comme « liquide ». La figure de l’auteur (Dard, Duchamp, l’âne, Dorgeles, Hains, Stella, Lavier,…) nous file entre les doigts. On ré-ouvre des chantiers vieux de plusieurs décennies, pour les confronter à la pratique d’un artiste décédé, et pourtant tout cela date d’avant-hier. On assiste à un dialogue par-delà le temps, et ce sans aucun souci de la chronologie logique. On retrouve au sujet du temps la plasticité que Lavier prête au réel. Temps et réel se meuvent, se transforment, mutent perpétuellement et leur danse emporte le spectateur.

CONCLUSION

Ce que l’on retiendra de cette exposition, c’est la révélation de la proximité étonnante, et jamais soulevée jusque-là, entre la pratique des deux artistes. Au delà des rapports avec Duchamp et Warhol, avec lesquels Lavier joue des parties de poker artistique par delà les continents et la mort, on décèle ici un rapport plus net et direct, qui apporte un nouvel éclairage passionnant sur son travail, y faisant émerger une qualité émotionnelle inédite chez Lavier. On appréciera, ici, que l’un de nos artistes les plus stratèges fende un peu l’armure. Merci Raymond !

 

 


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